Les éditions Yellow nous invitent à une plongée intégrale dans l'œuvre brève, mais dense, d'Artavazd Péléchian. Judicieusement sous titré "Une symphonie du monde", l'ouvrage, coordonné par Claire Déniel et Marguerite Vappereau, s'efforce de proposer une vision exhaustive du cinéaste arménien, et de mettre en évidence la spécificité de sa démarche, où l'archive tient une place importante, et qui aboutira au principe du montage à distance.
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Paru il y a maintenant quelques mois, le livre de Jean-Louis Comolli, Daech, le cinéma et la mort, nous semble important à bien des égards. D'abord parce que son auteur prend sur lui de porter un regard sur des images qui veulent précisément, par un effet de sidération poussé à l'extrême, annuler toute vision possible. Ensuite, parce qu'il propose une analyse à bien des égards convaincante et stimulante, des effets de ces images sur la machine cinématographique elle-même.
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Le livre, qui parcourt de façon fort complète la filmographie de Dwoskin, s'articule autour de différents motifs et portes d'entrée. Il mobilise tant l'analyse formelle (l'esthétique de Dwoskin reposerait sur la « coupe qui relie » ) que thématique : notamment la relation dialectique de l'amour et de la fiction (Rochelle Fack, inspirée par Bataille, parle de la « concurrence entre fiction et angoisse que l'être aimé inspire ») présentée dans le cycle de long métrages que le cinéaste réalisa avec ses différentes compagnes entre 1969 et 1976, où l'esthétique de ses premiers films qui sont des portraits dépourvus de tout contenu narratif hors de la présence du modèle et de son interaction avec la caméra, est mise en tension avec une certaine dramaturgie.
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L'écrit est une composante capitale de l'image cinématographique, et du cinéma dans son ensemble comme phénomène social et communicationnel. Le livre de Dutrieux a le mérite de se focaliser sur un aspect de l'écrit bien spécifique, la typographie, qu'il expose dans son histoire et dont il situe bien les différents enjeux tant esthétiques que médiatiques et économiques.
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Cet ouvrage fait partie d'une collection consacrée aux rapports entretenus entre les écrivains, notamment poètes, et le cinéma (« Le cinéma des poètes ») : outre Michaux, il existe à ce jour des volumes consacrés à Breton, Benjamin Fondane ou Queneau, mais aussi à Duras, Epstein ou Jacques Brunius. Ce parti pris éditorial permet non seulement d'explorer le territoire fécond des échanges entre littérature et cinéma (car les écrivains n'ont pas seulement parlé de films : le cinéma a marqué en retour leur écriture), mais aussi d'en appeler à un cinéma de poésie, et à saisir par ailleurs la part constitutive du spectateur dans l'expérience poétique du film.
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Recueil de textes écrits sur une période couvrant plus de 25 ans, La création cinéma d'Alain Begarla se propose d'envisager le film comme geste de création, selon un paradigme qui en plusieurs endroits tend à identifier le cinéaste à une sorte de démiurge, ce qui est au premier abord assez déroutant. S'il est tout à fait louable et généreux d'envisager le cinéma comme un art comparable à la peinture, et donc le cinéaste comme un artiste de plein droit, la comparaison devient problématique quand les acteurs et interprètes sont eux-mêmes pensés comme ses modèles et créatures, ce dernier terme sonnant ici avec beaucoup d'étrangeté.
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Raoul Ruiz, le magicien est le dernier ouvrage paru à ce jour sur le cinéaste chilien décédé il y a quelques années déjà, dont l'œuvre reste encore comme un continent largement inexploré, à demi fantomatique. Il se compose de trois parties : la première est un entretien entre Ruiz et son ami et collaborateur occasionnel Benoît Peeters (il fut co-scénariste du film La chouette aveugle et collabora aussi à la bande dessinée Le transpatagonien), qui s'entretient également avec le veuve du cinéaste, Valeria Sarmiento; la seconde rassemble des critiques écrites par Guy Scarpetta sur certains des jalons de la vaste filmographie ruizienne, et la dernière recueille des propos de comédiens.
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La vision partielle rassemble une trentaine de textes, publiés par Pascal Bonizer dans les Cahiers du cinéma dans les années 70 (et 80 pour certains), à une époque où les films s'appréhendent politiquement et sont perçus par l'idéologie qu'ils impliquent. Ce terme d'idéologie revient du reste très souvent sous la plume de Pascal Bonitzer. La critique se présente conjointement comme une pensée du cinéma — qui manque cruellement à une certaine critique contemporaine, qui peut écrire sur un film sans évoquer jamais les notions de plan, d'image, de montage — et comme une prise de position sur un territoire culturel qui rejoue la grande partition bourgeoisie / prolétariat à partir de laquelle le monde s'est laissé percevoir pendant de longues années.
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Le livre de Jacques Aumont ouvre son cheminement par une remarque de Niels Bohr, selon laquelle il peut volontiers croire toutes les péripéties rocambolesques qu'un western vient mettre en oeuvre, mais difficilement qu'un opérateur ait été là systématiquement pour en être le témoin et les enregistrer.
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Pour la plupart écrits de circonstance, pour accompagner expositions ou monographies, les textes rassemblés dans le recueil Ecrits sur l’art de Philippe Lacoue-Labarthe ont une facture singulière. C’est qu’ils répondent dans leur forme même à la signature, toujours unique, des gestes dont ils cherchent à comprendre le sens. A cet égard, que cette collection de textes sur les arts visuels, peinture et photographie essentiellement, s’ouvre à la rencontre d’Urs Lüthi et interroge sa pratique de l’autoportrait pour mettre en évidence la dimension allographique qu’elle ouvre n’est pas anodin.
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