La ritournelle est écrite d’avance. Il y a quelque chose de très familier et pourtant de très efficace dans ses boucles envoutantes. Les deux pianos à jardin semblent avoir pris une troublante autonomie. Le plateau demeure vide, rectangle blanc minimaliste, terrain de latences et de possibles, surface de résonance qui amplifie les charges impérieuses de la partition de Tobias Koch. L’attente est potentialisée par les jeux de regard des spectateurs placés dans une disposition bi-frontale. La tension est déjà palpable quand Lenio Kaklea pénètre l’espace performatif.
Dans sa création la plus récente, Alexandra Bachzetsis parvient à orchestrer une terrible énergie mécanique, rampante, disruptive. Furies antiques, tarentelles, convulsionnaires, divas, automates, les interprètes de Massacre : Variations on a theme donnent chair à des images somme toute largement connues, qui vont de l’iconographie classique aux dernières figures de la culture vidéo contemporaine, dans des glissements rapides. L’instabilité est de mise — femmes soumises et en même temps puissantes, agies et agissantes – la chorégraphe poursuit ses recherches sur la conscience de soi, les comportements sexués, la violence des codes véhiculés socialement et incorporés au niveau individuel, approfondit le trouble dans le genre.
La ritournelle reprend, monte en intensité. Des mouvements répétitifs, oscillatoires s’emparent de la tête de Lenio Kaklea avant de descendre dans sa cage thoracique et son bassin. Ses fesses frappent désormais obstinément le sol. Il y a quelque chose de mécanique et d’appliqué à la fois, qui gagne irrémédiablement tout le corps. La séquence est longue et éprouvante, le public y assiste médusé, alors qu’un processus de production d’un savoir incarné est à l’œuvre, s’appropriant des tropes historiques et des réflexes contemporains des médias, nourrit d’un terrible engagement physique.
La relation au premier regard évidente entre la partition sonore et le mouvement est nuancé par l’entrée d’un premier pianiste. Il écoute, s’imprègne du rythme, diffère son premier contact avec le clavier, doit d’abord apprivoiser les caprices de la ritournelle, lui-même soumis aux impératifs d’une musique qui semble affirmer son emprise et sa souveraine autonomie.
Dans un entretien accordé au New York Times à l’occasion de la programmation de Massacre : Variations on a theme, en tant qu’installation vidéo dans l’atrium du MoMA, accompagnée certains soirs par la version performative, au mois de janvier 2017, Alexandra Bachzetsis avoue son intérêt pour la version réduite pour piano joué à quatre mains de la partition du Sacre de printemps de Stravinsky, ainsi que pour le thème de la danse jusqu’à l’épuisement, jusqu’à ce que la mort s’en suive. La chorégraphe reste néanmoins fidèle à ses engagements artistiques et politiques : pas d’élue sacrificielle sur son plateau : la féminité qu’elle conjure se décline dans les corps de trois interprètes, polymorphe, ambiguë, séductrice et vénéneuse, portant la menace constante du débordement, toujours en chantier. Le choix des accessoires, incongru au premier abord, est d’ailleurs très significatif. Ces botes lézardées qui ceignent les mollets, donnant à la démarche une connotation ondulatoire provocante, dominatrice, presque vulgaire, trainent des lambeaux de scotch, sont en pleine mue. Ces gants grossiers, virils, de manutentionnaires, rappellent que les identités sont en perpétuelle fabrique, jamais déterminées de manière univoque. Le miroir, qu’un plasticien tel Kader Attia employait récemment pour retrouver l’image globale du corps au fil de processus réparateurs, post-traumatiques, déjoue ici les symétries organiques, fragmente davantage, démultiplie les limbes, encourage les logiques schizoïdes. La chorégraphe n’est pas pour autant étrangère de ses usages notamment dans la thérapie des membres fantôme, en fait le signe fuyant d’une confrontation avec quelque chose de très profond et en même temps d’absent. Quant à cette apparition sidérante de Lenio Kaklea, la peau nue enveloppée en strates de transparences, si l’imaginaire hybride, tordu, des poupées de Hans Bellmer nous effleure un bref instant, tout marqueur culturel est balayé par ce courant fluide qui traverse ses chairs.
Des visages absents alternent avec des regards directs qui abolissent toute distance spectatoriale et revendiquent le trouble. Les corps résistent écartelés à toute assignation identitaire, les secousses sciemment induites qui les animent, remontant dans une lignée secrète vers les possédées, les convulsionnaires de Saint Médard, les hystériques du docteur Charcot, voient leur intensité démultipliée par l’affirmation éclatante d’une théâtralité nourrie de la conscience de cette perspective historique même.
Les cordes des deux pianos frissonnent, grelottent, la puissance centripète des tourbillons imbriqués frôle le paroxysme, sans pour autant déborder la structure géométrique clairement architecturée de la composition musicale qui contraste tellement avec l’incandescence physique des trois danseuses.
Tout est déjà vu et pourtant l’énergie terrible de cette création dissipe les moindres soupçons démonstratifs. A la faveur d’une montée en puissance par vagues successives, elle mijote, bouillonne menaçante, explose, claque, cinglante, indomptable.
Première en France dans le cadre de la programmation des Spectacles Vivants du Centre Pompidou, 16 - 18 février 2017.
Publié le 28/02/2017
